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Mundo a parte, Yamina Gibert. Matanzas 2008, Cuba.

Joan Baixas en Cuba: en world aparte.

 

Todos los que tienen la idea de saber que - otros no han habitado de La Mancha como de la novela de caballo-Joan Baixas es dreamer, en el estilo de Jonh Lennon, cuyo primer mensaje de silencio y justicia basado en las conversaciones que el mundo has offered throughout his intense life. Las works, de deep social contento, son hymn to life, to love and freedom; fundamental rights of the human being that Baixas claim and defiende in every one of his shows.

Fusing theater with painting, music and, en certain times, dance, este artista catalán tiene que manejar toda una de las grandes exponentes de visual de los dientes en Barcelona.

After founding Teatro de La Claca, cuyos asumas elementos suyo es el conceptual arte y performances, este breaking s language y tradicionales formas de expresión, Bajas prácticas con importantes pictorial exponentes del tiempo suyo a Joan Miró, Roberto-Sebastián Matta y Antonio Saura.

 

El trabajo ha sido exhibido en el mosto varios stages del mundo: de remoto plazas, suyo en el Australian desierto, en los landmarks en el Guggenheim Museum en Nueva York y Bilbao, el Pompidou Center, el Sydney Opera House, el Liceo Theater and the Hong Kong Arts Festival. También has bebido en la charla de los Festivales de Barcelona en el Festival de Barcelona y has preparado en el Institute de Barcelona y otros centers.

 

En las últimas fechas de December, Bajas fulfilled al dream tengo largo dreamed de doing: visiting Cuba. Para cada uno de ellos se privilege de interacting s hima mediante creative workshops he gave en Casa Pedroso, hombre del Arca Puppet Theater-Museum, y la performance de sus show "Tierra Preñada" , but very deep.

 

¿Acaso se inició en el arte mundial? Did the family environment influence yo una decisión to do theater?

 

Y come from a family of artists. Painting es la profesión de mi grandfather, mi father y mi sister. My father specifically practiced principalmente as a teacher of fine arts. He hecho a very interesting school, well known in Barcelona. Y estabas muy interested in what he ido doing. En mi house art se something natural, I lived surrounded by that world. However, estaba interesado en arte no because y came from family. Of course, they influenced me a lote, and I learned many things from them.

Pero chose este modo de mi own free will, because I wanted to. Y always thought I was not for art. Curiously I was the less gifted brother. Y lacked a little skill and concentration; Y realmente enjoyed playing and the family did no know what to do with me. Además, el sendero es drawing teacher, of 5 brothers, 1 que ha dedicado herself profesionalmente a mi arte.

Betwe ages de 8 y 14-very importante etapa en la formación de la personalidad de adolescente-I ha de misfortune or la luck being interned in school run by priests. Estas very repressive experience for me. However, arte gave me la posibilidad de leer tu cuatro walls y mi spirit fly.

Y el primer discurso de literatura y began para escribir poems -que semeed wonderful- son novelas ... When I finished my studies, I thought Y gos to be a poet. Pero en el semejante boarding school I discovered theater because I organizan small pieces in which I representan clowns and other characters and I was reader of the school, reading every day few hours for community of arond five hundred peo. Y did that job en el Mass and at lunch and dinner time. Throughout the game, I began to discover the interpretation. That is, I discovered arte for survival, so that my spirit could fly free.

 

What does it mean for you to be parte de la Española theatrical avant-garde?

 

Artísticas reconocidas sometimes traslado into money, especialmente cuando 1 plays the commercial letter; Other times they become public recognitions. Estamos harto happy with my situation, which is a little special because hay una afección y recolección en mi country. Había cometido transparente y el hecho de que me independence, freedom, strength ... y está muy happy about it.

Pero hay que escribir que los chiringuitos se deben a los que no se asume que se me going para que sea debido a que estoy en painter; When the painters meet, they asume that I am a theater-maker; And for the theater, I am a puppeteer. Sonido, participa en el mundo de los tres mundos, pero en realidad y en el mundo aparte.

And I like that a lote because I no se believe en las publicaciones publicitarias que pute you en la urn. What interests me is the contact with people and with life. Es el importante mosto para artistas, y es priceless.

 

¿What son experiencias de este itinerante trabajo en diferentes partes del mundo y se pueden practicar en el mundo de los jóvenes a los que transmitimos sus experiencias y las que recibieron nuevas ideas?

 

Está sucho en la experiencia global en el mundo de la vida, que es difícil de transmitir a las palabras. Y have a great time, it's a lot of fun. Y al mismo tiempo know many people and I feel at peace. El importante mosto de que es que eventualmente citan el mundo, evidencia que el mundo es malou, en el último y otro, muy grande y diverso. Está little that game of what unites os and separates os a las human beings.

There es a dialogar between what we are individually and what we are as humanity. Una humanidad, pero ya tenemos en el mundo, nuestra familia, nuestra cultura, nuestras personas ... Y este feliz verdadero good because esta duality estill works for me. Y con toda la gracia de la vida y el hope tiene la presión en el continuo de things.

 

After dissolving el Teatro de La Claca, fundado en 1967, decidió to make a personal career. What has been la línea de trabajo followed durante estos años?

 

Basically what I am interested in finding in artística work that feeling of life that is called poetry, that beating of the human being who is alive. And being alive means accepting pain, pero también striving for joy, for happiness.

When I travel around the world I no puede estar en el hotel. Y preferir a close a la persona, a la realidad ... ya la understand cada plaza as it is. I si se encuentra en la mayoría de los hombres que no son understand, los que no tienen lámina, los suffers de hunger or racial discriminación, gender ... To que puede ser forgotten para que es el tema, es el espectáculo del mundo.

However, when you realize that there are still people this persist in the struggle to find happiness and love, that good feelings est still active and very strong, you achieve a very beautiful perspective of the human being. You have feeling that the bad comes alone, the good things need to look for them and fight to get them.

Y al mismo tiempo realizar la anécdota de la vez que se presentan shows en el Sarajevo válido, para que las joques sean continuamente. Y se precipita a sus individuos que, desde las circunstancias circundantes, se determinaban por buena, por la laguna y por las demás deficiencias. Y era muy happy to have been able to know la dimensión de la human being.

 

¿Este todos estos conceptos presentes en el trabajo "Pregnant Earth”?

 

¡Y hope sonido! El big bet is to be able para transmitir all the experiencias that life gives me. In short, artistas es sólo un more link en un chain of assembly line of humanity and fact of making art es to beighting for good side of life.

Y remember someone saying that after Auschwitz you could not do poetry. Y esto se debe a que este es un gran mistake debido a los segundos de las 20 centurias, de esta plaza pierna precisamente por el mosto beautiful poetry que está bien en Europa. And a be able to se get something good and beautiful from the chaos strengthens us and increases el velero hope of the human being.

 

How does the encounter between Joan Baixas and El Arca take place?

 

Y mete a Liliana Pérez Recio, director de El Arca, en el Charleville Festival, held in France. Se confía en un trabajo y que se dice. Y found she is a very enthusiastic and positive person. So we're looking for way to get to Cuba. Sometimos para económicos reasones este bit difficult, pero se dice por medio del español Ministro de Cultura, la Oficina del Historiador de la Habana y la Embassy of Spain.

 

¿Cómo es fundamental objetivo de Mapamundi - Sonrisas (Mapo de la World - Smiles) workshop, que ha sido in Havana?

 

My personal goal was to learn. And wh what happened there - between what I know and what they did - made the kids learn something I think it's great.

En todos los workshops, que ha given y propone a juego para los chicos y trata de ejercer trascender el grupo de grupo. Because, after all, arte we never do for ourselves; Está a servicio de todos los demás. Through the artística work we feel personally fulfilled. That's my idea sobre arte.

A este tipo de trabajo es en peligro de estar locked en el grupo yself, y había proponedo la idea de la mapa de la World Workshop, which byly post on the Internet son un teach people from other places in the world what a group of young people has dado en La Habana. En este modo interesting exchange se puede colocar a través de cubanos estudiantes y de otras partes del mundo y learn de todas ellas. Y sin embargo, lo until en la obra de nuestra vida es constantemente seek new knowledge.

The workshops are ideas that I am starting to make en reality. Este es un fourth course. Other three I made en Barcelona (two) and one in the town of Olot. Y había otros, pero no se tiene esta idea de la World Map. Little by little I will make en paquete to show show the experience has been in different parts of the world. Este servicio se sirve como punto de vista durante todos los días.

 

¿Cómo es su opinión de la creación de una institución suya en el Arca Puppet Theater-Museum y el trabajo que da aquí?

 

Y se halla en la facto que en Cuba están algunas cosas que en otras partes del mundo no son posibles para fin presente. Por lo que se inició en el teatro, en la década de los 60s, compañías puede crearse. En el europeo de las dos años estaba a tremendous por la creatividad, que en las independientes grupos que erected young, conformado por theatrical artistas, painters, músicos…

Y el hombre ha sido independiente compañero que responde a esta precisa. In Teatro de la Claca we were a collective. Este no es imposible alcanzar el trabajo en este camino. Muchos de los jóvenes son sus problemas y debido a los económicos difíciles, eventualmente difíciles dificultades, no pueden considerarse creating a group. En este tiempo es imposible para este.

Instead, te turns out that in Cuba it can be done. Esta institución se debe a un wonderful example que una canción de este aspire al envío de una institución para que el museo, histórico, creativo y profesional aspecto está integrado en un single compañero, que es más bien público, familiar en este caso, que es acquiring a teatrical culture.

Of course, el dream que dos no existen en otras partes del mundo, no puede can it. Y ha sido recientemente en Korea y Estonia y globalización son makes everyone manage as best they can. En los dos has sus difficulties, los find themselves en small projects que last para while and then disappear. And all the collective work and creating a culture of its own and working on audience has gone down in history. Seems to me a wonderful posibility this new reality that is El Arca. Es fortunate para todas las cosas que se pueden encontrar y para las que se beneficiarán de las cosas.

 

¿Dónde intiende la carrera de año en otro proyecto con El Arca?

 

Y would love to! Y think we have a very good feeling. Y al mismo tiempo say that I am en Cuban who had never been to Cuba. Desde mi childhood la presencia de Island en mi dom has been constante. My grandfather came to Cuba with his brother. Then he returned to Catalonia, pero mi great-tío está y made familia en Santiago de Cuba. Therefore, there has always been a very strong family relationship between Catalonia and the Island. Y remember that for Christmas or in su letra multitud relativas de Cuba went to the house. We were poorer and we came less.

I've always felt like I'm a bit part of here. Y había heard sonido muchos things y en mi house on holidays, Cuban food was made. Y remember with pleasure el cubano rice que mi grandmother usado to make. Y había al menos waited para el time time to come, because Y have never wanted to do it as a tourist; Y said, "Someday he'll be there" and it happened. Nos I am en el Historic Center, en puppet divadlo frente a la boardwalk, what more could I ask for! Y había waited 60 years to get to know this country and I am very happy about how the meeting has taken place. Of course, I hope it will not be the last.

 

What did you think of what you could see in the Historic Center?

 

It really is a true World Heritage Site. This is huge. Pero te parece que gozas en simple facto por nice ni siquiera; It is life! Está abundante testimonio de la humanidad, de las religiosas, de la militaridad, de la historia ... Las plazas que constituyen la World Heritage Site como su única construcción o su beauty. Pero la Havana Historic Center está bien reflejado en el lugar, en todos sus aspectos. Y was very impressed, I still can not react.

 

Yamina Gibert, Matanzas 2008, Cuba.

Joan Baixas en Cuba: un mundo aparte.

 

Quienes conocen su trayectoria saben que —más que un habitante de La Mancha salido de una novela de caballería— Joan Baixas es un soñador, al estilo de Jonh Lennon, que predica mensajes de paz y justicia basados en las enseñanzas que el mundo le ha ofrecido al largo de su intensa vida. Sus obras, de profundo contenido social, son un canto a la vida, al amor ya la libertad; derechos fundamentales del ser humano que Baixas reclama y defiende en cada uno de sus espectáculos.

Fusionando el teatro con la pintura, la música y, en determinados momentos, la danza, este artista catalán ha logrado convertirse en uno de los principales exponentes del teatro visual en Barcelona.

Luego de fundar el Teatro de La Claca, que asume elementos como el arte conceptual y las performances, rompiendo así como el lenguaje y las formas tradicionales de expresión. Baixas realiza trabajos con importantes exponentes pictóricos de la época como Joan Miró, Roberto Matta y Antonio Saura.

Su trabajo ha sido expuesto en los escenarios más diversos del orbe: desde recónditos lugares, como el desierto australiano, hasta lugares emblemáticos como el Museo Guggen heim de Nueva York y Bilbao, el Centro Pom pi dou, el Syd ney Opera House, el Teatro del Liceo y el Hong Kong Arts Fes ti val. También ha tenido a su cargo la dirección del Festival Internacional de Teatro de Títeres, de Barcelona y desempeña labores pedagógicas en el Instituto de Teatro de Barcelona y otros centros internacionales.

En los primeros días del mes de diciembre, Baixas cumplió un sueño que hacía mucho tiempo había pensado realizar: visitar Cuba. Para quienes tuvimos el privilegio de interactuar con él mediante los talleres de creación que impartió en la Casa Pedroso, sede del Teatro-Museo de Títeres El Arca, y la representación, en este mismo escenario, del espectáculo «Tierra Preñada», su estancia en el Centro Histórico nos parece corta, pero muy profunda.

 

¿Cómo se inicia en el mundo del arte? ¿Influyó el entorno familiar en su decisión de hacer teatro?

 

Yo provengo de una familia de artistas. La pintura es la profesión de mi abuelo, mi papá y mi hermana. Mi padre específicamente ejerció sobre todo como profesor de artes plásticas. Tuvo una escuela muy interesante, muy conocida en Barcelona. Me fijaba mucho en lo que él hacia. En mi casa el arte era algo natural, yo viví rodeado de ese mundo. Sin embargo, me interesé por el arte no porque me viniera dado de familia. Naturalmente, influyeron mucho en mí, y aprendió muchas cosas con ellos. Pero escogió este camino por voluntad propia, porque yo quise. Siempre pensé que no estaba destinado al arte. Curiosamente yo era el hermano menos dotado. Me faltaba algo de habilidad y capacidad de concentración; me gustaba mucho jugar y la familia no sabía qué hacer conmigo. Y aunque mi hermana es profesora de dibujo, de los cinco hermanos, lo que se ha dedicado profesionalmente al arte soy yo.
Entre los ocho y los 14 años -etapa muy importante en la formación de la personalidad de un adolescente- tuve la desgracia o la suerte de que me internarán en un colegio dirigido por cuidados. Ésta fue una experiencia muy represiva para mí. Sin embargo, el arte me dio la posibilidad de salir de esas cuatro paredes y dejar volar mi espíritu. Primero descubrí la literatura y empecé a leer poesías —que me parecieron maravillosas—, luego novelas... Cuando terminé mis estudios, pensé que iba a ser poeta. Pero en el mismo internado fui descubriendo el teatro pues organizaba pequeñas obras en las que representaba payasos y otros personajes. A través del juego, empecé a descubrir la interpretación. O sea, que descubrió el arte por supervivencia, para que mi espíritu pudiera volar libre.

 

¿Qué significado tiene para usted formar parte de la vanguardia teatral catalana?

 

Los reconocimientos artísticos a veces se traducen en dinero, sobre todo cuando uno juega la carta de lo comercial; otras veces se convierten en reconocimientos públicos. Yo estoy muy contento con mi situación, que es algo especial porque tengo el cariño y el reconocimiento en mi país. He llegado a ser transparente y eso es lo que me da la independencia, la libertad, la fuerza..., y estoy muy contento de eso.

Pero tengo la sensación de que cuando se reúnen los titiriteros no dan miedo sentado que voy a estar ahí porque consideran que soy un pintor; cuando se reúnen los pintores dan miedo sentado que soy un teatrero; y para los de teatro, soy un titiritero. Entonces, yo participo un poco de los tres mundos, pero en realidad formo un mundo aparte. Y eso me gusta mucho porque no creo en esos reconocimientos públicos que te ponen en una urna. A mí lo que me interesa es el contacto con las personas y con la vida. Esto es lo más importante para un artista, y es impagable.

 

¿Cuáles son las experiencias de hacer esta obra itinerante en diferentes partes del mundo y poder trabajar con jóvenes a los que transmita sus experiencias y de quienes recibe nuevas ideas?

 

Es una experiencia tan global en mi vida, que es muy difícil traducirla en palabras. Lo paso muy bien, es muy divertido. Siempre conozco a mucha gente y me siento en paz. Lo más importante es esa sensación de sentirse ciudadano del mundo, sentir que el mundo es pequeño y, al mismo tiempo, muy grande y diverso. Es un poco ese juego de lo que nos une y nos separa como seres humanos. Hay un diálogo entre lo que somos individualmente y lo que somos como humanidad. Todos somos humanidad, pero también somos de nuestra casa, de nuestra familia, de nuestra cultura, de nuestro pueblo… Y me siento muy bien pues tal dualidad me sigue funcionando. Estoy muy agradecido de la vida y espero poder tener fuerzas para seguir haciendo cosas.

 

Luego de disolverse el Teatro de La Claca, que fundara en 1967, decidió hacer una carrera personal. ¿Cuál ha sido la línea de trabajo seguida durante estos años?
 

Básicamente lo que me interesa encontrar en el trabajo artístico es esa sensación de la vida que se llama poesía, ese latiro del ser humano que está vivo. Y estar vivo significa aceptar el dolor, pero también luchar por la alegría, por la felicidad.

Cuando viajo por el mundo no me gusta hospedarme en hoteles de primera categoría. Prefiero estar cerca de la gente, de la realidad… y entender cada sitio como es. Entonces veo mucho dolor de gente que no se entiende, que no encuentra el amor, que sufre por hambre o por la discriminación racial, de género… Eso no se puede olvidar nunca porque está ahí, es el espectáculo del mundo.

Sin embargo, cuando te das cuenta de que todavía existen personas que persisten en su lucha de encontrar la felicidad y el amor, que los buenos sentimientos sean activos y con mucha fuerza, logras tener una perspectiva muy bonita del ser humano. Tienes la sensación de que lo malo viene solo, lo bueno hay que buscarlo y luchar por conseguirlo.

Siempre hago la anécdota de cuando realizó espectáculos en la guerra de Sarajevo, donde se hacían chistes continuamente. Me sorprendió ver a esas personas que, en las peores circunstancias, se empeñaban en ser buenos, en reírse y ayudar a los demás a superar las dificultades. Me sintió muy feliz de haber podido conocer esa dimensión del ser humano.

 

¿Están todos estos conceptos presentes en la obra «Tierra preñada»?

 

¡Eso espero! La gran apuesta es poder transmitir todas las experiencias que me da la vida. En definitiva, un artista solo es un eslabón más de la cadena de montajes de la humanidad y el hecho de hacer arte es estar luchando por el lado bueno de la vida.

Recuerdo que alguien dijo que después de Auschwitz no se podía hacer poesía. Y me parece que esto es un gran error porque durante la segunda mitad del siglo XX, de este sitio precisamente salieron algunas de las poesías más bellas que se han hecho en Europa. Y poder sacar algo bueno y hermoso del caos nos fortalece y aumenta la gran esperanza del ser humano.

 

¿Cómo se produce el encuentro entre Joan Baixas y El Arca?

 

Conocí a Liliana Pérez Recio, directora de El Arca, en el Festival de Charleville, celebrado en Francia. Ella vio mi trabajo y le gustó lo que hacía. A mí me pareció una persona muy entusiasta y positiva. Entonces buscamos la forma de que yo viniera a Cuba. A veces por cuestiones económicas esto se hace algo difícil, pero lo conseguimos a través de la ayuda del Ministerio de Cultura, la Oficina del Historiador y la Ambajada de España en Cuba.

 

¿Cuál fue el objetivo fundamental del taller Mapamundi Sonrisas, que realizó en la Habana?

 

Mi objetivo personal fue aprender. Y si lo que se produjo allí —entre lo que yo sé y lo que ellos realizaron— hizo que los chicos aprendieran algo, pues me parece estupendo.

En todos los talleres que he impartido propongo un juego a los muchachos e intento que el ejercicio trascienda el grupo con el que estamos trabajando. Porque, al fin y al cabo, el arte nunca lo hacemos para nosotros; es un servicio que damos a los demás. A través del trabajo artístico nos sentimos realizados personalmente. Esa es mi idea sobre el arte.

Como este tipo de trabajo corre el peligro de quedar encerrado en el propio grupo, yo he propuesto la idea del taller Mapamundi Sonrisas, que luego colgaremos en Internet para así poder enseñar a gente de otros sitios del mundo qué es lo que ha hecho un grupo de jóvenes en La Habana. De esta forma puede producirse un interesante intercambio entre estudiantes cubanos y de otras partes del mundo y aprender unos de otros. Creo que hasta el fin de nuestra vida debemos buscar constantemente nuevos conocimientos.

Los talleres son ideas que estoy empezando a convertir en realidad. Éste es el cuarto curso que realizo. Los otros tres los realizó en Barcelona (dos) y uno en la población de Olot. He hecho otros, pero no con esta idea del Mapamundi. Poco a poco iré haciendo un paquete para mostrar cómo ha sido la experiencia en distintas partes del mundo. Esto servirá como un punto de encuentro entre todos ellos.
 

¿Qué opinión le merece la creación de una institución como el Teatro-Museo de Títeres El Arca y la labor que aquí se realiza?

 

Me ha llamado la atención el hecho de que en Cuba existan algunas cosas que en otros lugares del mundo no son posibles encontrar en la actualidad. Cuando empecé a hacer teatro, en la década de los años 60, se podían crear compañías. En la Europa de esos años hubo un caudal de creatividad tremenda, gracias a los grupos independientes que erigieron los jóvenes, conformados por teatristas, pintores, músicos… Yo mismo tuve una compañía independiente que respondía a esto precisamente. En el Teatro de la Claca éramos un colectivo. Ahora es imposible conseguir trabajar de esa forma. La mayoría de los jóvenes están con sus problemas y por dificultades económicas, incluso legales, no pueden plantearse crear un grupo. En estos momentos es imposible hacer esto. En cambio, resulta que en Cuba sí se puede hacer. Esta institución me parece un ejemplo maravilloso de que aun puede aspirarse al sueño de tener una institución donde está integrado el aspecto museístico, histórico, creativo y profesional en una sola compañía, que puede haber un público, familiar en este caso, que vaya adquiriendo una cultura titiritera.

Claro, eso es un sueño que no existe en otras partes del mundo, nadie puede hacerlo. Estuve recientemente en Corea y Estonia y la globalización allí hace que cada uno se las arregle como pueda. Como cada uno tiene sus propias dificultades, la gente se encuentra en pequeños proyectos que durarán un tiempo y después desaparecen. Y todo el trabajo colectivo y de ir creando una cultura propia y de trabajar sobre un público ha pasado a la historia. Me parece una posibilidad maravillosa esta nueva realidad que es El Arca. Es una suerte para aquellos que lo pueden y van a realizar y para los que se van a beneficiar de ello, que es el público.

 

¿Pretende llevar a cabo algún otro proyecto como El Arca?

 

¡Me encantaría! Creo que tenemos muy buen feeling. Siempre digo que soy un cubano que no había estado nunca en Cuba. Desde mi infancia la presencia de la Isla en mi casa ha sido constante. Mi abuelo vino a Cuba junto a su hermano. Luego regresó a Cataluña, pero mí tío-abuelo se quedó y hizo familia en Santiago de Cuba. Por eso, siempre ha habido una relación familiar muy fuerte entre Cataluña y la Isla. Recuerdo que para navidad o en verano iban a la casa muchos familiares cubanos. Nosotros éramos más pobres y veníamos menos. Siempre he oído que soy un poco de aquí. He oído contar tantas cosas y en mi casa los días de fiesta, se hacía comida cubana. Recuerdo con mucho gusto el arroz en la cubana que hacía mi abuela. Siempre he esperado el momento apropiado para venir, pues nunca he querido hacerlo como turista; dijo: «Algún día saldrá» y salión. Ahora estoy en el Centro Histórico, en un teatro de títeres frente al malecón, ¡que más podía pedir! He esperado 60 años para conocer este país y me siento muy feliz de cómo se ha producido el encuentro. Por supuesto, espero que no sea el último.

 

¿Qué le ha parecido lo que ha podido ver en el Centro Histórico?

 

Realmente es un verdadero Patrimonio de la Humanidad. Esto es enorme. Pero creo que va más allá del simple hecho de ser bonito o no; ¡es que es la vida! Constituye un fuerte testimonio del ser humano, desde lo religioso, lo militar, lo histórico… Hay lugares que constituyen Patrimonio de la Humanidad por su singular construcción o por su belleza. Pero el Centro Histórico habanero lo es porque refleja la propia vida, en todos sus aspectos. Me ha impresionado mucho, todavía no puedo reaccionar.

 

Yamina Gibert. Matanzas 2008, Cuba.

Interview Vahur Keller, Tallin 2010

INTERVEW JOAN BAIXAS, Tallin 2010

Vahur Keller. Tallin (Estonia)  8·6·2010

¿How would You define Yourself? Who are You: a painter, a poet…?

 I'm han artist. Y usualmente sabía que I'm en painter y en el director, por lo que está en las dos ideas que I've da mosto. All my life I did lotes of writing for nothing. Now I've started writing en book, because I think I'm old enough for starting to put it all together. Y want to write sobre mi experiencia s theatre and with the world. Y te ponemos en boxes de boxes y I saw that I ha sometido a right about that in my diaries. There is a lot: diarias with ideas, with drawings, with lots of things. The stories that people ha told me all over the world, the stories of real people. Y want to write this book this year. Y don't know the general idea yet. I'll write about stories that people have told me, pero también about mi experiencia s people and with the shows. Por ejemplo Y me parece que todo el libro sobre mi relación con Joan Miró que realmente estaba en un gran maestro de vida para mí, no justo en arte, y no en explain que. Pero también mi relationship with otros artistas, I've met some sonido nice people from all over the world. Y hope to have power of writing to translate these impresiones. Y really don't want to define myself also because I'm a bit transparente. En el capitalismo de la ciudad, tienes que estar somebody en least para estos minutos de fame que Warhol talk about. You have to be a name and somebody.

But You know – I'm nobody. When I am with the puppeteers I love them and they love me and we have good relationship, pero the puppeteers feel – “Aah, his a painter! ¡He dido puppetry but really his a painter!”; and when I'm with the painters, I love them and they know me and they are very nice with me but then they think: "Yeah, he's here, but he's really a theatre director!"; and when I'm with the people of theatre, they think: “Ooh, he's really a puppeteer!” So I'm there, but I'm nobody, and I'm very proud of that. Y no estaban llenos de artístico career a lo que somebody, y había been living – meeting people, watching things; Y no puede utilizar el lugar en el centro de la calle: “Joan Baixas” – because it's nobody. ¡Y don't care! You understand what I mean? If  You have something on the wall, You need the definition: “it is impresionist painter” or “it's a photo of a famous film director” but I don't want to han Me very proud of being nobody.

Transparency means independence and that's importante. Y can do lots of things. Y hád a very funny situation with my last show about a girl who was a prostitute and killed her lover. Y met her, she was some character! El show contained varios imágenes de su vida y en la parte superior y explained que se ha. Se killed and cut this lover with electric knife – a horrible thing – it was a big impresion para la audiencia when I told the story! Se trataba de tender por el carácter, pero en el último momento en la horrible serie de blood y todo. When I started probíhající show s audience, konec show byl impresive image of somebody killing other human-being with electric knife. Y talked s actory a hudebník, který by měl inventovat způsob, jak ho dokončit s šťastným nádechem, pro občany jdou z theatre too sad. Se ha dado un minuto musical y dance junto, y ha sido el first time I've ever danced on stage. Afterwards I ha review de la show que I'm very good dancer y el buen show del dance. Y thought – “my god, now I'm a dancer!” Y lo que te ha sido grotesco en el dance en la etapa en mi tiempo, pero te works! I noticed that I can do anything – it works!

También se encuentra en el departamento de puppetry y visual de teatro y tiene lugar en famoso festival de visual de teatro y puppetry en Barcelona. What “animal” is this “visual theatre”?


Visual theatre es un crazy name, pues el theatre es visual pero en el último momento que te llame sobre musical teatro y el theatre tiene música, or we talk – Y don't know – sobre gestura-teatro and all theatre has gesture. Y se utiliza el nombre de go one step further from puppetry with losing puppetry. La expresión “visual theatre” se utiliza en un montón de ejemplo en Inglés y en las otras ciudades, y se utiliza el punto siguiente foco en la imagen. El nombre visual visual era actualmente inventado en Bauhaus. In there, en Oscar Schlemmer's time, it no se justo using images pero making dramaturgy of the images – that's the point. It was Schawinsky que named the visual theatre. Oscar Schlemmer se dice “Tríadico Ballet” y personas asked – “what do we do, do we do dance? Is it a ballet, or if we we do cabaret?” Las ideas de Oscar Schlemmer estaban muy cabaret-like con números y música y parody y grotesco, que no era ballet. He called it ballet triadic with the humour, he put it “ballet with humour”. Oscar Schlemmer tiene verdadero good humor, nowadays no un gran hombre remember that he was a very humoristic man, he dicho clowneries and carnevales and all that. And one day they were talking with Stravinsky who said: “What we do, es visual theatre – theatre with image.” Este saying estaba en el camino y también se le da el punto de foco en la imagen.

 

¿Is telling a story through the images?


Telling en story or not, pero making the show.

Do You think a story isn't importante in the theatre?


Sometimes, but not always. It's not essential.

What is essential?


Essential is the show to me. To make something spectacular, que gives emotion to the audience. Sometimes it's through narrative, sometimes not. Por ejemplo, una de las maestras de este hijo de teatro era Tadeusz Kantor y he didn't tell stories but he made theatre. Fragmentary, very poético, around the things that happened. Things are happening on scene, pero they don't tell a story.

Porque he tenido muchas stories después de esto, las series de sus vidas, de sus hijos.
And of his country. Kantor define realmente la importancia de la imagen en la etapa. Sometimes we forget that he said: “Image on the stage needs density.”. Se supone que está en la cultura de la imagen, pero con la cultura de la imagen se mean en la imagen. What is the culture of the image? Publicación, señales en las aventuras, el logos, las hollywood hvězdas y el mundo de las ideas son imágenes, son una tal como sobre nuestra cultura de la imagen – pero el light imagen. Image that everybody understands. Avatar es una imagen que everybody, entre los niños y los adultos, understands. Pero Kantor said que en la etapa de la imagen tienes que haber density; so You don't have to project images and to do nice beautiful images – no,You have to do images que el stay forever at the hart of the people. Importante es que la imagen en el stage tiene tiempo. Cuando se sienta en la imagen de la bandeja, puede cantar 1 minuto en frente de ella y usted tiene general impresión de ella; ale na scéně You are there, setting in front of the image to the image has the density to go inside, to row and stay inside of the mind and the imagination of the people – we have to remember the images from the stage . Hay que hacer las imágenes en el teatro – justo flash – algunas personas están en lote, pero no hay interés, You know. These are images that disappear. Sonido usa el nombre de visual theatre para el festival y para la escuela because, más o menos, el puppetry es el arte, y se bit a ghetto. Even if it's muy contemporary and there are lotes of interesting things, para lots of people, it's a bit a ghetto. It's an island, you know. To break that, and to bring more audiences en el shows y en el festival, nos calle el visual theatre.

What is the reason for puppetry being en ghetto?


Y think partly it's en ghetto because of the puppeteers. Because puppeteers have made this world organization UNIMA and international festivals and all that. Este movimiento de chiringuitos en el mundo tiene varios contactos entre los hombres durante las últimas centurias y tienes que es muy positivo, pero en el tiempo que te has tomado en ghetto, donde puppeteers están mentando sobre chupetes y otros. shows.

You meet the same people at every puppet festival. It's a fun in a way, pero…
Exactly, You meet the same people, it's very nice y at the time it's very closed. With puppetry world I have a relationship that I go in and out. Durante cinco años y no playen en puppet festivales, y se performing en otras plazas, pero se hará en el puppet circuito y te funny que mi están los siguientes friends: en Australia, Africa, Germany, very . que se lleve a los 30 years, pero esta es sólo en el puppetry world and now know – if go there, I meet these people. They are there – in this puppet-tube around the world. Tienes very positive senses y también some negative.

¿Stil, why this happened to puppetry? Los ejemplos de los painters son también los mensajes que se necesitan de todas maneras y comunicaciones de forma general para cada uno. ¿Why is puppetry sonido exceptional ghetto?


Maybe it's because of the very close relationship with the tradition, I think. The puppet itself doesn't change. Los shows change and artistas change, pero puppet doesn't change. ¿It's a strange thing, because what is a puppet? It's a tool, en instrumento, a copy of human-being, a symbol, a grotesque figure, it's lotes of things but it's there. It's like another humanity – a paralelo humanity. Está muy relacionado con la tradición de la puppetry y tiene que happened las otras artes. Contemporáneo poeta puede haber influencia de los medievales poetas, nobody knows, y es su personal visión y interés, pero yo contemporáneo he contemporáneo. En puppetry, even if You're very contemporary, there is always that root that goes to tradition. Este no es despejado, y está en buen estado. Este root es always and goes further to very old times – to animism and all that. Ye't good but it forms that ghetto around itself. Pero puppetry no está justo en ghetto of puppeteers.

Por ejemplo, cuando Robert Lepage usa el puppets, nobody thought it's a puppet theatre. Nobody thinks in cinema that “Avatar” está en puppet show, pero if You analyze it – it's a puppetry. “Alien” es puppet y Jim Henson's colegas did the puppets para las películas de “Star Wars”. Yoda es una de las mejores chuletas en el cine – el hecho de moverse y el personaje es fantástico – y no hay ideas que el Yoda es el puppet. Nobody says que Alien está en puppet, pero te traditional puppet que se mueve por la mano de puppeteer. No es virtual, se puede computer, y es en verdadero puppet en la columna y fábrica pero no te parece que te va a puppet. Sonido, este es un número de chiringuitos en el mundo de la chispa, cuyos means que la ghetto se crean por tetas themselves. They are happy, good for their culturas and for their world, but the same time they closeed. Y think it's muy importante para las nuevas generaciones para saber. Por lo que se teaching en el teatro instituto, los estudiantes estaban muy precipitados cuando showen las películas s puppets starting already from Murnau. “Faustus” está en puppet film y también en “Golem” which está en puppet that becomes alive. El monstruo de Frankenstein está a puppet. It's a creature  made by someone: it gets life, it's animated so it's a puppet.

The German philosopher Peter Sloterdijk writes at el mosto importante book “The Spheres” mosto curiously sobre animación: he says que en la aparición de la animación. God es la animación de los humanos. It's a very nice idea, it's explanation of the puppet: God is the puppet of the human being. Cuando te guste en God the God es God, pero yo no es en believer pero justo filosóphero, en God es creatura en la imaginación humana y el human representa los caracteres, este puppet, esta animación, y humano being talks para him and invents the dialogs of God. God es como Punch and Judy, tiene que crear imaginación humana. Esta explanación de la animación es fantasticamente animación means: “todo hace an anima” –_cc781905-5cde-3194-bb3b-136bad5cf58 Está sometido a la parte inferior, y se arregla el puppet. Son puppetry is much more than the puppeteers talk about. Puppeteers talk sobre puppets but they don't talk sobre esta animación.

¿Este este thing this draws ¿Tu puppetry and gins ¿Tiene energía en deal with it?


Yes, for that puppetry interests me lote. Animación de mystery, de las ideas de que no se pueden saber. ¿Este son muchos things que human being dos no understand, sobre naturaleza y himself, sobre el mundo – ¿hay dos esta máquina de trabajo? We improvise the explanations. What we do when we don't understand something? We create something to represent our intuition – that's animation. René Girard, a French philosopher que practicó en USA, puts all his antropological work's attention to what he calles “the sacrificial victim”. He says que human beings son sólo animales que can kill one each other. All the animales in nature can fight, pero when one lion wins thether, the looser goes away, the winner doesn't need to kill him. Animales de dye por accidente en ciegos pero el purpose no se tocan los otros. Purpose de los animales 'fights es el deslizamiento de otros humanos y el manto de las mujeres y el food. Human beings no puede haber, cuando una humana being ha echado en la propia persona de cualquier human being, he kills the other. Las 1 que los que se llevan a cabo, he comido back and eliges a quién en el otro en otro modo, maybe at night. Está realmente happened in fights of different culturas: one group killed everyone from the other group to get food or women and kids for sex or for work or for eating them, and to stop that killing, they did put something in-between “the sacrificial victim.” Es muy clear en la biblia: instead de quitar yo, y que somete a que se ofrece. Instead of killing the whole tribe, I say – “Ok. I'll give You the best I have – my sueño. You can kill my son and we will be in peace.” Girard describes como todas las culturas tejas que en mitos, como Oedipus or Christ. Christ is the sacrificial victim that God offers to himself. Y necesitamos excusar las fallas de las humanidades y la transformación de mi son a las personas y las humanidades están atento a ofrecerse a mí ya que están en peace.

El sacrificial victim es la construcción de la cultura, la realización de miedos. Girard has publicado cinco o seis books sobre que, analizando los procesos en Greek y biblical mythology, y este sacrificial víctima es finalmente a puppet. Se utilizan puppets para some things que se cantan con personas humanas. Why is Punch – a very-very bad character who kills people etc – ¿son strong and powerful? Because in the end he fights with death. Tengo que tener un fight with death. Also Petruschka y Pulchinella son boj por death – todas las big characters puppetry finalmente tienen su importante boj por death. They can't win death, pero they can escape or pute death en la bag or in en box. They escape from death – that's the power of these characters. El relationhip de la gente humana y el puppet es verdadero deep. Está sacrificial victimo, ofrece, sonido para que no se disappea y para que se crean en ghetto hacia itself. Because it's very magic, very deep, very strange.

¿Too deep for everybody?


Yes, maybe it's too primitive for contemporary art – too religious, too mythical. En el mismo tiempo hay un mosto famoso artistas usando los puppets. Kantor didn't use a puppet, but his actores are like puppets. Todos los actores tenían a double mannequin, y él carry de sus mannequines y see el mannequin y de tales tales que él y dance – te se puppet. Y remember Kantor saying: “No-no-no, ¡Y don't do puppets!”, pero finally he was at the Charleville school doing puppets. Estaría en multitud de artistas de 20 centurias que usan chiringuitos sin saying this were puppets: Robert Lepage, Peter Brook or Bob Wilson etc.

You said that working with Joan Miró was a great inspiration for You. ¿Was his work driven from same ideas?


Cuando he recibido el Paris en 1930, una de las tres cosas que he discoverado a Alfred Jarry y su Character Ubu. Miró had en table en el estudio, por lo que se sitúa y víta y organizando el mundo de esa y had all hi life there. When he was 85 Y saw that he had there the original edición de “Ubu Roi” from when he was 27, the time he came to Paris. Esta maleta es la que lo que se miró a todos los días, he devuelto las notaciones y did drawings. He dado las ilustraciones para tres libros de Ubu: de “Ubu Roi”, “El Enfance de Ubu” y “Ubu aux Balearés”. One thing that I lento from Miró as an artist was his absolute concentration to his world. He habido esta a lo largo de la vida – every minute he sido concentrado en el inner-world. Fueron artistas y no se puede because we go in-and-out. Para saber, estás en el trabajo y está concentrado – tengo que estar enteramente. La concentración se inició cuando he sido sobre 19 y el father put him to work to friend's shop. Tengo que trabajar para siete oro niñas montes y vaso cigarro de dinero, si tengo su father – “Y can't work like that, I can't do a normal work, Y have to concentrate on my inner world.” Y think that is the importante punto de arte. He decidido a live 24 horas en el día de arte mundial. There are people who live 24 hours a day for money, to make business and to be somebody, or people who live 24 hours a day for religion or for helping other people, or for nothing, but art – it's a place, art is somewh .

 

¿Some kind of passion for the purpose?


We say pasion, we say concentration – we say words like that, but it's different, You know, the art is there.

Do You have this kind of thing Yourself también?
More or less. Nos a Joan Miró, of course. He was absolutely concentrated. Y remember el último tiempo I saw Miró en el hospital, and I asked him – “How are You?”, and he said – “Now, it's perfect – I'm all day magnetized.“. Me meanto que he sido todo el tiempo en el otro side – en el arte de la side. He said – “Everything es parte de mi painting, everything.” He sido 24 horas en el día, en este espacio que se hace arte. Está como forma de conocimiento, forma de investigación – es un espacio en la humanidad, un lugar de cuestiones y emociones – finalmente en un knowledge. Spanish physicist Jorge Wagensberg, designer i director de la ciència museum a Barcelona, blahomatous, že jsou tři formy vědomí: jeden je věda, která je asking realitu all the time and nothing is never sure for science; second is intuition, which means spirituality; and the third one is art, which is doing things. La spirituality es más tarde recibida, el arte es más arriba. You ask the world by doing things: experimentar la vida y realizar formas de estas iner experiencias – sometimes psychological, sometimes historical, sometimes political and sometimes justo natural experiences. Este es la experiencia del mundo mediante el arte. Y como mucho mucha esta definición de Wagensberg: tres languages to understand the world. He doesn't say religion, he's very critical sobre religion, because he says that religion es sobre power, spirituality is different.

Do You think religion could be the fourth form of knowledge?


Religión está organizada por power, I agree. Religion takes it's power from spirituality. It's a very formal power like all the forms of power. Power de dinero y energía militar son stupid powers. All the powers are stupid, power es sobre la stupidity. Power is about “I don't understand, but I will win.”, Y will say that “No way, fuck You!”. Power es el bad boca de la humana, en año field. The strongest powers that we know, the military powers, are killing people, making wars, causing disasters and destroying the human lives, and religious power is the same. Es different from spirituality.

¿Son in a way You're han anarchist?


No, I believe in organization, Y do believe in democracy, for example. Y don't like if democracy means that some people have took all the power. The idea of democracy means different kinds of powers – it's a very good idea.

But is democracy really posible? What we see every day, no está idea that we like.
Este es un happiness: ¿Ya no puede ser un everything perfecta, es posible que se muestre a usted? No hay un happy for 24 horas en el día de todos los días, happiness es un momento y cuando tienes el mosto desde un happy momento y hasta el happy momento con un montón de troubles en el tiempo, puede cantar a happy person. Con democracy it's the same – it goes up and down. La general visión del año es disaster, las características son importantes, no la general visión. We see the world, and we see the people who went to Gaza with their boats and that disaster that happened to everyone, because everyone did the wrong thing. Se halla el momento de la ruta, a un largo recorrido – pero no el mundo entero es Gaza. No se encuentra en Gaza, pero había el enjoy life, mientras que en este bar.

Do You think we should only enjoy or should we somehow fight for our ideas also?
Y think we have to work but not fight. Hay que make things better, to improve things y to make en life better, pero it will never be perfect. There always be problems – political, economical, car that kills somebody at the street, someone que puede haber everything y make more love than You… it's very importante to enjoy the good moments. Hay que ser happy cuando happiness happens en nuestras livas y no se complaen – “Oh, te could be better!”. Para jugar estos momentos, este músico, este bar…

It's a really Catalonian thought. Sin embargo, es importante para usted debe ser artista para expresar sus opiniones en el mundo?


Yes, I did a lot and I still do. Y work with the things that I have in mind, pero la first thing is pleasure. Y sin embargo, el mundo, el arte es pleasure y no se ha forjado. Se trata de una buena entrega, sobre todo, shapes y formas: to make a song, to make a poem, to hear a poem – this is a nice thing. Firstly – life is a pleasure. Y think human being invented arte en pleasure y dos arte en pleasure, because we enjoy it, because it's good. Then, sometimes there are son nasty things that You have to talk about. It's like Paul Celan making poems at concentration camp. What it means – “no hay make poetry after Auschwitz” – no; Some of the most beautiful poems ever wrote in Europe were written in Auschwitz. What it means, that ether there is at the one human being who takes the pleasure to put words together, to express the horror. No, en el medio de horror, en el medio de death, he finds a pleasura para poner las palabras junto a do a poem. That's arte. That's art through pain, suffering, políticos, bad momentos, problemas etc. Puede cantar un gran poema en la concentración campo en el Paul Celan did – verdaderamente beautiful and very strong, pero he didn't tell sobre el horror. When he says this image – “black milk of dawn” – it's so strong! Imagine el dawn en Auschwitz, 1 moro day – 1 more day of life en el medio horror, pero te 1 more day! Y al mismo tiempo explain a Young people that place where I heard most jokes was in Sarajevo during the war, when I was playing en the hospitals. Me surge yo were telling more jokes durante el soviet period than now.

 

Absolutely, we had a parade of great humoristas then.


Como en España en tiempo de francoismo: ¡¡¡we telling jokes every day – lotes of jokes! Humor is a form of art.

Then art had also more essential importance for people. Theatres were full, for You could say things through art that You couldn't say otherwise. Now Y feel that art has became somehow headless. ¿Cómo se puede importar arte para la sociedad, para ser humano? ¿Why estás en human being need art?


Y think that it's forma de knowledge, language of knowledge. It's fantástico que en el periodo de dictador es finished and You have a normal life. Está en mente que el mundo del arte es justo joyful, sobre happiness and pleasure. Pero esta que haya finalizado el periodo de tyranny no se mean que se dice la reacción de mucho mundo. End de Franco es para mi y mi generación en mi ciudad realmente importante, pero en el medio del mundo y que era muy thing. Humanity has still many problems. Europa tienes grandes problemas y están, europeos, tienen que ir a tener en cuenta.

Está happening, está ahí, y está involvado Europa económicamente, políticamente, financialmente, artísticamente, religiosamente, espiritualmente. La idea de cómo se considera familia es gozar de bien reinventado en Europa. Se propone la humanidad a la manera de hacer que se practice como sea el rico, pero tiene looks como el que no puede ser rico animore o que se change este life. We'll throw away the inmigrates, we'll no tiene care of old people, we'll no help help for the elders when they finish their work, we'll no have social security for everybody - will it mean that, or we want to keep all that with no money? Dos it mean that we, rich people, will have to pay more – or what it means? ¿Cómo se arresta la forma de la vida que se propone para la humanidad? Está en good form: se da en social seguridad y democracia y cultura para todo el mundo, en las caras de los elders, receiving inmigrantes, en multicultural – está en todas las cosas, pero no se puede pagar. Sonido, what we will do? Se renueve y se puede racista y se cierra Europa y se cierra en las instituciones culturales y se le permiten a las personas con las familias en la ciéna sin atención y se debe a la medicina y el poor will dye earlier – does it mean that? Este modelo europeo está basado en la riqueza que se realiza en exploitación de otras ciudades y no en la propia producción. Está basado en buenos precios de petróleo, donde se utilizan los materiales básicos etc. En la base de la riqueza se inventa Europa – esta idea de democracia y wellness para everybody.

Can You propongo año solution?


No, Y don't know. Y think we Europeans haba to think and talk because it will not be easy. Las otras culturas, Latin America, India, China, tenían sus propios andaduras y tienen que work para them, no son work para Europe.

What kind of function does art have there?


Y sin embargo, en el arte más alto es uno de los lugares para tener en cuenta, en la mente, en el aware, en el problema de los problemas de la tabla. It's one of the things that art can do. Artistas son el lujo de Occidental culturas y justo el survival de sus selfies es el problema para artistas. European artistas son confidentes en la idea de que la sociedad tiene la razón de su temática: “ahí es la riqueza de las ciudades o todas las subsidios”. Por lo que se da cuenta de que hay otras ideas para que no se puede dar a los artistas y usted debe manejar en Yourself, los artistas están say – “oh, no se culturalmente elevado” – y todo. Y tenemos que no es el problema de la sociedad, nos ha dotodo a nuestro trabajo con dinero o no dinero, con instituciones o no instituciones. Y te parece que es good y es instituciones que carecen de la cultura, pero las instituciones no se pueden poner en absoluto las políticas o las que no se entiende como las que no han sido dineros o because tienen problemas en un empleo numbers etc – the artists can't stop. ¡If an artista stops because the government no se pay, tengo que liar, tengo shit!

Exactly this is one problem of the arte – el survival of itself. What are we doing? Ahora hay que decir que está en vida y en el modelo de nuestra sociedad o en el justo parasitización de nuestra sociedad y hanging en fee and thinking – “ooh, me food, ¡me artista!” – – “What do You do?” – – “Oh, I'm doing modern things.”. En los últimos 50 años, artistas en Europa, deben ser todos los que estén helped por su gobierno. Everybody! ¿True oro not? and everybody has something sonido importante that needs subsidy. Ok, I prefer to have subsidy, I mean, who wouldn't prefer! Pero cuando se llegue, esta no se subsidia a la que practice y se darán mi vida por el día de la que decidiera to go en el negocio. I've al mismo tiempo said en mi sonidos – “Look, Ive a business with what I can go to any corner of the street and I can do son good show, that the people are willing to by me a plate of soup.” Me surge that I can make my life and the life of my sons anywhere in the world. En el arte más importante tienes este problema y realmente tienes que los artistas pueden tener en cuenta la sociedad. Está en la plaza en la mente, en la plaza en las experiencias, en la plaza en la plaza, en la plaza de talking sobre las cosas – sólo es importante parte de nuestra sociedad.

You were acquainted to Kantor. How did he influence You?


Y hace him en la siguiente semana en London en Riverside Studios, y por lo que se hace him en París y en Barcelona y otras plazas, están in-common friends, que introducen usted, y que hay muchos very muchos. He sido una de las mayores maestras. ¡Son intenso! Y didn't have very strong relationship with Kantor because he was a persona closed in himself. It was not dialogue: he was talking and I learned a lot from him. Joan Miró estaba viviendo de la sociedad, closado en el mundo en el estudio en Mallorca, pero Kantor estaba viviendo su artístico en Poland, que ha sido un harto de Europa. It's the country que suffered son mucho – invasiones from everybody, incredible punishment durante las dos wars, y Kantor was there. No te ha sido muy diferente para mi tal como se miró, que era como monk en el estudio, o Tal como se Kantor que lo ha sido - de Poland, living el war y los campos y el período de Soviet.

Kantor estaba expresando su mano y su país pasto a lo largo del tiempo. Do You feel something like that with Your creation also, that You are somehow connected to Your past - Catalonian, or else?


Yes, everything is there. The world world and the closed community at the same time. Y no se analyze that very much.

 

¿Dónde te want to?


Y don't do it. Y don't analyze very much my own situation. Y habe been traveling around the world for forty years already. Y started traveling when I was nineteen, sonido I really feel that I am from the world. I live en Cataluña y el hecho de que te guste mucho y te mi cultura – mi roots, mi mamá-tongue, mi cultura e me happy with my language but I'm not nationalistic at all.

You don't dream about separate Catalonian Republic? When I was in Barcelona hace 5 years ago, I heard from many Catalonian people, that they would like to have their own republic.


Y don't want to think about that now. It's not importante for me at all. I'm in the world. Ime realmente citizen of the world and I feel very comfortable talking with people, knowing people from all over the world, thinking of the world. Maybe at one day I will think about that, it depends in which momento. Because it's justo en matter of organization, it's justo el matter of politics, it's not son importante.

 

Había worked in lot of countries. ¿Está somehow feeding for You to work in different culturas, backgrounds, histories? What does it mean to You?


The main thing is that I learn. Y para mi trabajo, este es el mayor thing, pero working with people gives a lote. Y receive much more than I give. There are still lots of new worlds for me. Last trip was in Latin America: Brazil, Paraguay, Argentina. Y reciban las experiencias de diferentes personas, diferentes culturas, diferentes ubicaciones y mi very curious. Y ask and they talk and I go and I watch and I read – sonido I receive a lote. Me vey happy with that.

¿Was Your school also international?


No realmente, son estudiantes de Erasmus programas. There are some sections like gesture theatre, where a lot of students come from other areas of Spain or Latin America, because they don't need language. En la escuela de la main group es los actores, y acting es basado en la lengua en la que se necesita catalán. Therefore it's difficult for foreigners to come to acting school. The main work that I do in the school, for years now, es that the Rose Bruford College from UK sends their students to Barcelona to work with me. These are the students from speciality called – “European Theatre”. Twenty or twenty five students from all over the Europe, and even from America and Japan, come to Barcelona and work with me we intensively during three months. We work very day, eight hours a day, and then we do a show. Pero I'll do it for one more year and then I'll stop. Y don't want to work anymore in the schools, because I feel that what I can do, is done. Here in Tallin I tiene la profeta que confecciona la lectura de Rene Baker. Y quiso hacerlo realmente, se pierde en Barcelona para trabajar con mi compañero y después de que se asoma a teach en el Teatro Institute, y ahora, y eres la lectura, te parece – te da. Este woman toma a pie de tu herencia ya piece de esta, tienes mi ideas, ideas de Philip Genty e ideas de Theatre du Mouvement – todas las ideas de mi generación, te disputan, organizas it y das a pedagoga de tu. ¡She does it very well! Sonido, there es una nueva generación de teachers of visual theatre, que are doing very well. Y have nothing more to say. Se better, se utiliza una experiencia, y son dos lotes de otras personas. Y think it's muy importante para saber que está finished. I've done it para severo tiempos de mi vida: I working with theatre La Claca para 20 years, y 1 day I said – it's finished. Es que no se me da que no se puede trabajar con el compañero, pero este proyecto está terminado. Y come, I chop that tree and I go away. Y open new doors – new things, new projects – it makes me more alive. Y don't want to be “the one that teaches puppets en el Theatre Institute forever. Tengo pierna en la escuela y became en la misma.”.

What is the new door that You will open now?


Now I'm in between. Este means writing este book and new door for me “Mapa Mundi”. Se trata de la práctica de los jóvenes, que se utilizan mi experiencia, pero no en la clase en la escuela. Out of the school, with direct collaboration.

You're going to make the “Mapa Mundi” with the prisoners. ¿Why are You doing this?


Charleville's festival propone mi, que tiene que estar en lo que se refiere a la prisión de Charleville. There are Young people who had problems with robbery and drugs etc.

¿Tiene también importante para que haya backgrounds the prisoners have – what crimes etc.?


No, it is their problem. Y como el trabajo de los hombres de la prisión para la prisión es una de las plazas para personas que están en lote. Y se da la idea de que se da la idea y de la idea de esa situación, de la de la sede de la sociedad. Y want to learn. Está en el lugar, donde hay un montón de tiempo en este momento, y hay en el que hay que considerar: “Y did something, que se forbidden y son I'm in jail. I'm out of the society – I'm the bad one. Y have the title of “bad-one”.” Y se antoja a qué se entiende, a qué se debe a lo que se debe a explain a las otras.

¿Este somehow sencillamente conectado a “Mapa Mundi” también?


Yes, I think it's a good idea to do it in the prison. One de los problemas europeos para mí, que todos están burgueses – todos. All of us like to había nice cars, holidays y bla-bla-bla – to have a confortable life. Y don't think that this idea of Europe – “comfortable life is better” – is a very good idea . No se trata de que sea, para confortable maybe means estuvo mucho, pero no se puede hacer que esté justo cuando usted necesita – para obesidad, seguridad y heart-attacks y problemas de kneas. En el European idea de confort es maybe a stupid idea. En la Europa están todos burgueses y muy confortables. If someone is too comfortable it's not too interesting.

¿Before usted sabe que el arte está en pleasure?


Pleasure is different than comfort. Sometimes pleasure is not comfortable at all. Cuando usted puede tomar el tope de Himalaya, no es confortable. Cuando usted está en pleasure del mosto beautiful girl to bed with you, no es confortable – You'll have to work. No, confortable no es el mejor, pero me no es el purpose de life para el sudor. Y prefer the pleasure of effort. If I want to do something, I don't care if it's hard to do it – I'll do it! Y have done crazy things that made me very happy and very strong. Y walked at the Australian desierto para days, it was very hard, but it was a pleasure. El asking sobre Europa, el mosto interesting no es el esfuerzo sobre el confort de la gente que probablemente es probable que se lleve a los ojos – “Oh, ¡y don't want to lose my sofa! ¡Y don't want to lose my air-conditioner!” Y preferirá a tales personas que no haya sofas y air-conditioners, y te more interesting, y personas en prisión no hay. I did a work in associat arthritis, te's something with what You'll tiene miedo para el día de hoy, y te's mentira que makes yo cree. Pero te has increíble cuando te apetece – “¿No es posible que se llegue el día?”, se vienen – “It's  like that, we ha. We can't take pills every day, so we have to be confident and go through suffering.” Sonido thought, esta persona ha experimentado la vida que nobody can believe. Nos good to ask these people and learn from these people – they know more about life.

¿Está somo-kind de connection with artists also? ¿Dos arte también have to come through the pain?


Y think this suffering of artists está a legend. Artists suffer a los waiters or taxi drivers: if You're no happy and have to drive en taxi el day and wait en el taxi estación para horas until somebody calls You. Cuando usted tiene problemas con Yourself, You suffer the same. Suffering being a matka en el kitchen, cooking para somebody que es en factory y tiene no smiles al hombre, y no savings y no good food – all that can be a horrible suffering. Suffering es al mismo tiempo, que es la realidad de human-being. Even el mosto rich people, que ha sido necesario, suffer from inner-reasons. Suffering es something of the human-being – it exists. En un momento o por otro, hay que sufrir: para death, para sickness, para somebody de nuestra familia, para friend. Para estupideces: para las cosas que no son understand, para nuestra educación, para las que todo teacher, a más, a father, a frío oro a lover había echado a mi head.

Suffering es parte de la vida – es el normal estado de vida. Y al mismo tiempo say, suffering it happens itself, we have to to an effort for happiness. No se puede hacer de sufrimiento – cuando se come, se come y no se puede probar sobre su sufrimiento, o happens. Pero el hecho de que es artistas puede hacer que suffering el sometimiento de verdad. Looks like Kafka suffered muchísimo from his inner life: from sus relationship with his father, from his society around him but he transformed it en beautiful pieces of arte. Las piezas de arte go mediante suffering, puedes suffering kafka en su trabajo a usted understand que suffering. Es como Paul Celan s poemas en concentración campo, or Frieda Kahlo suffering son mucho se su destroyed body y en el mismo tiempo se ha song para vida y para happiness. El hecho de que artista artista puede, pero que se siente suffering como otras human-beings.

 

Do You sin it as some-kind of thrive for Your creation – ¿todo make some staging or painting?


I've tříd to escape from suffering, pero el frame of suffering is always there. Y tenemos que estar aware of que suffering all the time. Es como la presencia de death or even the time passing by. All all would like to stop life para while – para little momento and be blind and transparent. What the Buddhists say sobre la iluminación – we all dream sobre jumping de este día suffering, pero te doesn't happen, en least Y havente ha esta experiencia. El arte es el modo en que se suffering, no se pide hasta y forget, pero debe haberlo near por: “Okay, come hear, You are the part of the life, so let's go together!” Y bought today en postcard of the fantastic painting from Tallin – “The Dance of Death”. Death dancing with the emperor, with the pope… – ¡this is fantastic! Presencia death y imagen de dancing with death – making art with death. Es verdadera wise imagen, y se ethica representacion because it says que el emperador y el pope y el everybody son dye y el death es always there – setting nearby. Death that means the maximum suffering. Está al mismo tiempo y hay que complacer something que es al mismo tiempo, que es parte de los ourself – hay dance sobre él: make arte, poemos, songs y jokes.

Conversación entre titiriteros; Toni Rumbau i Joan Baixas

 

Conversación entre titiriteros;

Toni Rumbau y Joan Baixas

 

 

 

TONI RUMBAU EN JOAN BAIXAS

 


Tu eres titiritero pero también pintor o artista plástico. De hecho, durante unos años dejaste los títeres y te dedicaste a la pintura.

Luego volviste al teatro al incorporar tus prácticas pictóricas en directo, apostando por una clara línea de «teatro visual» y ahora parece que de alguna manera regresas al mundo de los títeres.

¿Te identificas pues con esta figura que llamamos «titiritero»?

¿Qué representa para ti?

Lo de «teatro visual» no es una profesión, podríamos decir que es una categoría académica para estudiar ciertos espectáculos que ponen especial atención en el tratamiento dramático de la imagen en escena o es una categoría que se usa en el marketing de un festival para dar algunas pistas al público sobre espectáculos que desconoce. Es una denominación que yo he usado y sigo usando, pero no hay que confundir, todo el teatro es visual y el uso de la imagen de una u otra forma no determina una profesión.

Pero yo soy un titiritero y estoy muy contento de mi profesión, en primer lugar porque no está considerada una profesión seria y eso ya es estupendo. No ser considerado serio es un honor, con el que está cayendo en los círculos artísticos. Pero sobre todo me gusta esta profesión porque en ella puedo desarrollar al mismo tiempo y en diálogo entre ellos, varios lenguajes artísticos que me interesan: la pintura, la literatura, la dirección escénica y puedo hacerlo de una forma muy maleable, muy directa, artesanal.

Luego hay también una circunstancia bastante peculiar y es que los espectáculos de títeres se presentan en contextos muy diversos, un día uno está con el público más popular y en los pocos días te puedes encontrar en un ambiente sumamente sofisticado, de vanguardia, como fue, por ejemplo el festival de Nueva York, el que hacía la fundación Henson, que pasaba por ser lo más moderno de la ciudad y en los espacios más exquisitos. Esta heterogeneidad de públicos es muy saludable para el artista, porque al final de lo que se trata es de que el público conecte con lo que hacemos, que se sienta interpelado, conmovido quizás.

Me convirtió en profesional de los títeres desde 1967 y lo fui completamente desde el primer día. Quiero decir que los titiriteros de esa época, que eran muy poquitos y todos dando vueltas alrededor de una tradición en franca decadencia, se dedicaban a las mas diversas profesiones y lo de los titeres era un complemento que se presentaba en gran medida en fiestas familiares. Yo decidió dedicarme a ello en exclusiva y resultó difícil económicamente pero muy fácil en otros aspectos.

En aquella época para poder subsistir había que hacer más de doscientos bolos al año y algunos años hicimos casi trescientos. Éramos Putxinel.lis Claca y durante diez años, con mi mujer, mis hijos y algún colaborador, nos sacamos miles de kilómetros en furgoneta, básicamente por Cataluña y España, pero también por Europa.

Lo fácil fue la relación con la gente, no había subvenciones ni instituciones para darlas, pero recibimos la ayuda entusiasta de artistas, maestros, agitadoras políticos, párrocos, gente de la cultura, asociaciones de vecinos, la política se hacía en la calle por personas de carne y hueso y no se decidió en las cúpulas de los partidos. Fueron diez años, hasta que la compañía se amplió y nos convertimos en el Teatro de la Claca. Y esos diez años calzando muñeco día a día, con los más diversos públicos pero siempre con los mismos títeres, con las mismas obras, de alguna de las cuales legamos a hacer un millar de funciones. Las manos estaban solas, el personaje se cocinaba en lo más profundo del alma, las voces deformadas eran « mis » voces que salían desde las entrañas. Esa fue mi escuela, mi universidad y mi doctorado y por ese motivo siempre me he considerado un titiritero.

¿Te atraves a definir lo que es un títere?

Es muy curioso, los titiriteros nos pasamos la vida definiendo lo que son los titeres, es un ejercicio muy raro, yo no veo eso entre mis amigos pintores o escritoras, no sé porqué lo harán los titiriteros. Quizás porque los títeres pueden ser tantas cosas diferentes e incluso opuestas que cada uno quiere quitar el agua a su molino. Bueno, mientras no sean definiciones demasiado pomposas, resulta divertido. Por mi parte me considero mal definidor y buen admirador de Barthlevy, o sea que «preferiría no hacerlo»

 

Durante tu carrera, siempre has intentado pisar terrenos de innovación, enrolándote en proyectos complejos donde el teatro, los títeres y la plástica interactuaban en igualdad de condiciones, como lo fueron tus distintas colaboraciones con pintores. Sin duda, han habido aquí adquisiciones y aprendizajes importantes. ¿Podrías resumirlos? ¿Qué líneas de exploración creas tú que tiene ante sí el Teatro de Títeres?

Cuando pienso en estas experiencias que comentas me emociono por la suerte que he tenido. Una suerte que me la he currado, claro, pero una suerte enorme. Haber trabajado con Miró, con Saura, con Tàpies, Brossa, Mariscal, Matta y otros, ha sido una maravilla y aunque pasan los años, son unas experiencias que están siempre presentes, muy cercanas. De hecho tengo el estudio lleno de sus dibujos y fotos porque considero que son maestros que siempre están junto a mí.

De ellos aprendió muchísimas cosas y podría hablar de cada uno durante horas, pero si algunas cosas tienen todos ellos en común son tres regalos: el primero, el artesanado, entendido como trabajo metodico, reiterativo, insistente, personal, la vieja consideración de que no se consigue nada sin esfuerzo. Esto es algo muy fácil de decir pero extrañamente difícil de hacer, requiere concentración, humildad y convencimiento. La artesanía es la base del arte porque permite al ego retirarse a un segundo plano, permite que la obra se haga por sí misma a través de nosotros, que no somos más que un soporte.

Esta sensación la cuentan todos los grandes artistas, la vivencia clara de que la obra se hace por sí misma, a través de nosotros. Pero esta sensación es potentísima en el intérprete, en el artista que actúa en directo y con los títeres en la mano es incomparable. Parece una afirmación retórica y algo pedante, pero creo que muchos titiriteros la conocemos, la sensación de que el títere te posee, que tú le seas, le acompañas, le provocas, pero la vida es él. Creo que el hecho de que el titiritero no actúa con su propio cuerpo, sino que entre él y el público hay un objeto humanizado, hace que este instrumento genial se cargue de poder, se convierte en el chivo expiatorio de los rituales primitivos que renova su vida en cada función y cumple un rol catártico muy divertido y muy sano.

La segunda lección-regalo de los maestros fue la generosidad. Para ser artista hace falta ser generoso en el sentido más completo de la maldita palabreja. Para decirlo sin mucho protocolo, el artista trabaja para el buen rollo del mundo. El mal rollo ya viene solo, ya va viniendo a oleadas constantes e insistentes sin que nadie lo llame y sin que nada pueda pararlo. Estoy hablando del hambre, la violencia, la explotación, la enfermedad, del mal rollo verdadero. Pero el buen rollo hay que buscarlo, crearlo, perseguirlo, construirlo poco a poco. Esto significa generosidad con la vida, entrega a la experiencia, al conocimiento, a la comunicación. Miró decía que lo importante no es la obra en sí misma, lo importante son las semillas que la obra hace germinar en el interior de las personas.

Y la tercera cosa es la radicalidad, ir a las raices, al fondo de las cosas. En las raíces está la energía primera, el intercambio de juegos con la naturaleza, lo que nace de lo oscuro, del subterraneo. La radicalidad es lo que importa, la brújula. Esto es una postura personal, un sentimiento constante. Brossa decía que la novedad no es necesariamente interesante por sí misma, la novedad a veces puede ser muy vulgar y muy muerta, lo interesante es la originalidad y originalidad viene de origen. El artista tiene que ir al origen de sí mismo para entregarlo a la tribu, es su trabajo, dar, repartir juego, revolver el fondo para que el agua se enturbie y el corazón se aclare, sumergirse en la invención constante e insistente de la originalidad más antigua. El original es ancestral y radical, cada persona es bien distinta de todas las demás en su origen, en su raiz.

Y contestando a la segunda parte de tu pregunta, creo que los títeres tienen tanto campo por delante como las otras artes, inagotable y de un modo especial. Siempre me gusta pensar que los títeres en el teatro (no los del cine ni de la tele, que tienen unas obligaciones de codificación que los empobrecen excesivamente) los títeres en el teatro están en el teatro de actores como la poesía es en la novela: mundo aparte, hecho de las mismas palabras, ceñido por la misma gramática, pero de una vivencia totalmente diferente. No se como poner esto por escrito, no tengo palabras, pero me parece que en la poesía el palpitar de la vida es como mas puro, mas candente.

La poesía solo puede explicarse en palabras poéticas (tu lengua en mí boca como la flor del agonizante), pues otro tanto le pasa al teatro de títeres, que es pura poesía y su hábitat el universo, ¡ole!

Tras cuarenta años de profesión, ¿qué rescatarías de tus comienzos? ¿Qué es lo que más valoras de los mismos? Dentro del contexto de tu larga carrera, ¿cuáles son los objetivos artísticos actuales y futuros? ¿Crees que el titiritero se cree con la edad y la experiencia, y en qué sentido?

Como sabes, pues nuestra amistad se remonta a estos tiempos lejanos, mis inicios fueron de furgoneta y bolos y de ellos conservo un recuerdo impagable. Me divirtió y aprendí mucho. Lo que más me queda de esa época es el contacto con los públicos diversos y el entusiasmo de la gente en esos 60 y 70, cuando todo nos parecía posible. Fueron diez años de aprendizaje duro y bello. Pero toda mi vida profesional está llena de ilusiones, alegrías y amigos, no siento ninguna nostalgia por un momento en particular.

Ahora estoy metido en el proyecto de hacer una nueva compañía y salir de nuevo al circuito internacional, del que me he alejado algo estos últimos años. Estoy preparando un espectáculo, “Zoé”, sobre una chica brasileña que comete un horrible asesinato. Es un espectáculo con varias escenas de títeres y me gusta porque hace muchos años que ando metido en la dirección y la pintura y no practico como intérprete. Al mismo tiempo estoy preparando una instalación con pinturas y pantallas de vídeo y otros proyectos que van viniendo.

Mis trabajos siempre tienen una gestación larga y se superponen unos sobre otros.

Lo de crecer con la edad, no sé, ¿qué quieres que te diga? Por supuesto uno se hace viejo, eso es indudable y no tiene remedio y por el camino aprende cosas, claro, pero el valor de la experiencia es muy relativo. No creo que sea mejor la experiencia que la inexperiencia, ésta puede ser una herramienta con una fuerza muy grande. Cada momento de la vida tiene su ángel, su duende, la flor que decía Zeami, al principio porque tienes fuerza y después porque tienes más picardía, no sé, gato escaldado… Lo que realmente interesa es el proceso, el devenir e ir puliendo la herramienta. Lo mejor de tener una larga trayectoria consiste en mirar hacia atrás y poder sonreír.

JOAN BAIXAS A TONI RUMBAU

Tú has pasado por casi todos los recovecos de la profesión: interpretación, escritura, dirección de un teatro y de un festival, empresario, agitador cultural, si tuvieras que elegir, ¿con qué te quedarías y por qué? Y también, ¿recomendarías a los jóvenes que procuran conocer estos diversos ámbitos o crees que es mejor la especialización?

Si tuviera que elegir, sin duda la interpretación es lo mejor que me ha dado esta profesión. Actuar como titiritero es una experiencia que una vez excavada, engancha. Creo que las razones son dos: el elemento catártico que tiene toda representación con títeres (desdoblamiento, pluralidad de los lenguajes utilizados que van del directo más inmediato a la más sofisticada distanciación) y el hecho de conectar con prácticas ancestrales que te “poseen” aunque no lo quieras. Esto es lo que me ocurrió a mí cuando empecé por azar en Portugal participando en las campañas de dinamización cultural con el ejército portugués, durante la Revolución de los Claveles.

Luego, a la que persistas y te veas obligado a ser lo que suele llamarse un “profesional”, entonces poco a poco las redes del oficio te van atrapando y, sin darte cuenta, un día te descubres empresario, otro “agitador cultural”, después de pronto “director de un festival”, más tarde de un teatro, por supuesto escribes buena parte de tus obras e incluso hay que se lo hacen todo, desde los títeres hasta las escenografías. Incluso diría que una de las características de esta profesión es, sobre todo al principio, que uno hace de todo, o mejor, “uno se atreve a hacer de todo”, siendo ésta una de sus gracias a menudo más valoradas.

Por supuesto, en unos casos es así, y en otros no. En eso hay toda la variedad que se quiera y la libertad de elección es, sin duda, máxima.

En este sentido, la carrera de titiritero oscila entre el solista que se autosuficiente en todo –y que en cierto modo, encarna algunas de las esencias básicas del titiritismo más antiguo– y lo que crea compañía con mayor o menor complejidad.

Yo he pasado de un registro a otro, y la verdad es que donde mejor me lo he pasado y donde más cómodo me encuentro, es en el papel de solista. De hecho, ahora me estoy embarcando en un nuevo proyecto unipersonal. Aunque también he de decir que de las dos óperas que he hecho, la experiencia y lo recuerdo que guardo de ambas es maravillosamente positivo.

Respecto a mi experiencia en la gestión, abomino bastante de ella, sobre todo la referida a relaciones con la administración: puro calvario y pesadilla.

A los jóvenes les diría que si pueden concentrarse en la creación, mejor que mejor. Creo que hoy en día las nuevas generaciones de titiriteros tienen eso más claro y saben distinguir entre lo esencial y lo superfluo, y buscar los complementos adecuados -buenos agentes, técnicos, actores, etc- cuando éstos son necesarios. Luego, los bandazos de la vida ya le van quitando de un extremo a otro, como es bien sabido.

En tu libro de memorias profesionales dejas aparecer, con elegancia y discreción, un espíritu anarquista demoledor de convenciones, pero después de leerlo me quedé con ganas de saber mas sobre este aspecto de tu pensamiento ¿te importaría contar más al respecto?

Pues sí, me considero lo que antes se llamaba un “anarquista de salón”, aunque luego en la vida no está mal el “acratismo” que he practicado, seguramente más empujado por los azares y la necesidad que por convicción ideológica. Es una lástima que el anarquismo haya quedado tan desuso y tenga tan mala prensa. Y sin embargo, mucho me parece que la actualidad –esa que intenta encontrar vías de solución a la catarata de crisis que se nos viene encima– está recurriendo en muchas cosas al filón anarquista más señero. Sobre todo en la defensa de ultranza que hoy se hace de la autonomía personal o del “soberanismo individual”. Estoy muy acorde con estas reivindicaciones. Sólo que el presente y el futuro están llenos de contradicciones, y junto a la defensa del individuo y su soberanía, hoy se impone también la perspectiva global para la resolución de problemas y conflictos. Es decir, individualismo soberanista por un lado, globalidad de los problemas y sus soluciones por el otro lado. El anarquismo que a mí me gustaría que existiera sería lo que pudiera acoger estas paradojas y contradicciones entre lo global y lo local, lo individual y lo colectivo, aceptando los extremos en su más rotunda radicalidad.

Volviendo a los títeres, creo que la figura digamos “clásica” o “romántica” del titiritero encarna, en cierto modo, algunas de las calidades ácratas por excelencia: ir al aire, hacer lo que te da la gana, plantar la barraca donde sea, vivir de lo que la gente te da directamente, ser autónomo en la construcción, organización y ejecución de tus labores, etc. Incluso, algunos titiriteros han enarbolado la bandera ácrata como signo de identificación –tenemos el ejemplo claro de Pepe Otal, casi un modelo ejemplar de “anarquista titiritero” al que deberíamos añadir el arquetipo tauromáquico del “torero” por su especial relación con la figura de la muerte, o el propio Javier Villafañe, Paco Porras, y tantos otros. De hecho, cuando oyes a algunos titiriteros ya algo avanzados por la edad decir: “voy a volver a los bolos, eso es lo que importa y lo bueno de esta profesión…” (tú y yo, sin ir más lejos…), en realidad estamos profesando nuestro amor por este espíritu vital y libertario del titiritismo…

¿Y no son acaso Pulcinella, Punch, Polichinelle, Karakoz…, unos viejos anarquistas algo pasados de tuerca y de moda, que defienden a ultranza los valores de la exaltación libertaria del individuo caiga quién caiga? Sin duda por eso recibían de inmediato el favor del público, al proyectar en ellos lo que soñaban poder ser y hacer, como es pegar a los mandamases de turno, fueran sociológicos (policías, banqueros, señoritos, tenderos, etc) o metafísicos (demonios , monstruos oa la misma muerte). Personajes, pues, que encarnaban el arquetipo libertario que el Renacimiento y las culturas urbanas de la modernidad pusieron en enea.

Una de las cosas que más me sorprende del arte de los títeres son las paradojas que uno observa a poco que los analice con atención. Veamos algunos ejemplos: el de los títeres ha sido un entretenimiento popular a lo largo de los siglos, pero paradójicamente ha dado pie, al mismo tiempo, a una literatura filosófica y especulativa muy considerable.

Otra paradoja: los títeres más populares del siglo pasado han sido los del cine (Alien, King-Kong, los de las Galaxias), pero nadie, cuando habla de títeres, se refiere a ellos. Y una más: los títeres se consideran una artesanía teatral, pero en todas las culturas donde se han dado muestras potentes de tradiciones titiritescas, en todas épocas y en todos los continentes, para este tipo de espectáculos se han usado los refinamientos técnicos más sofisticados de la tecnología propia de cada grupo cultural, desde las marionetas de hilo china a las animaciones de Antúnez, desde el bunraku a los autómatas. ¿Qué opinas de todo eso?

Creo que estas paradojas de que hablas al principio de tu pregunta (grandeza/misería, popular/culto, tradición/vanguardia…) son una de las calidades más interesantes, tanto a nivel sociológico como simbólico y de lenguaje, del teatro de títeres. Ir a un festival y poder ver espectáculos que van de las sombras ancestrales de Bali a los experimentos más atrevidos e innovadores, es todo un lujo y una constante lección de humildad y apertura de mente. Por eso creo que se equivocan los festivales que quieren ser modernos y renuncian a las tradiciones –cómo le ha ocurrido al de Barcelona, que de tanto querer modernizarse y sofisticarse, ha acabado por esfumarse en el aire. Y viceversa, por supuesto.

Lo que dice de los personajes del cine es cierto, son los títeres más populares del siglo XX, pero creo que al estar enmarcados en la cinematografía, pierden en parte su carácter teatral titiritero. Es cómo decir que la mejor música del siglo XX es la de cine –algo defendido por muchos teóricos, pero que después cuesta defender cuando hablas con músicos, programadoras, etc. La realidad es que el cine y toda la industria de la imagen ha engullido muchas artes y especialidades visuales, poniéndolas al su servicio, es decir, al servicio del lenguaje cinematográfico, que las engloba, mientras que la especificidad teatral, sea de títeres o de actores, es el directo, que no tiene nada que ver con la reproducción mecánica. Debe entenderse esta distinción sin pretensiones de valoración alguna (sin duda el cine saldría con “mejores notas”), sino como simple diferenciación técnica, de lenguaje. Por eso sólo se refieren a los “títeres del cine” los estudiosos, mientras que los practicantes muchas veces se olvidan de ellos. Pero tienes razón de que "están aquí", por supuesto.

¿Cual debe ser la causa para que seguimos considerando los títeres una artesanía y los presentemos en general en ambientes restringidos y minoritarios?

Creo que la consideración de los títeres como “artesanía” es una vieja costumbre que a veces deriva en pelea, al distinguirla de “Arte” en mayúscula. Los hay que consideran peyorativa la palabra, pero también hay otros que la ensalzan.

Si consideramos los títeres como teatro, aplicarle la palabra artesanía no deja de ser congruente como especificidad definitoria, en el sentido de que el lenguaje teatral que se utiliza se hace más con las manos que con la voz, o con las dos cosas a la vez, por lo que vendría a significar algo así como un “teatro que se hace con las manos”.

Hoy en día, además, se valora mucho el aspecto “artesanal” de las puestas en escena –en el sentido de que se hacen con lentitud y por la aportación mimosa de muchas manos. En este mismo sentido, podría decirse que la ópera de grandes escenarios es en sí pura artesanía teatral, pues en ella la labor de montaje y de orfebrería escénica es descomunal. Y lo mismo cabe decir de un espectáculo de títeres: si es complejo, es artesanal por su complejidad; si es sencillo al estilo popular, lo será por sus características de algo hecho completamente con las manos y por uno mismo. En todos los casos, la palabra artesanía define bien y ensalza los valores de lo definido. A mí me gusta utilizarla aunque no demasía, pues insistir mucho en ella es como quedarse con la semiótica del lenguaje, como su inmediatez. Digamos que la artesanía está y es buena, pero cuanto menos se vea, mejor. A veces, importa desvelarla. Otras, es mejor amagarla. En fin, cualquier títere se hace con las manos. Y también podríamos hablar de la artesanía de Picasso en la elaboración de sus cuadros, o de Barceló manipulando sobre masas pictóricas. Y no creo que se sintieran insultados. Y legados aquí, bien podríamos decir que la diferencia principal entre Arte y artesanía, aparte de la intención, es el precio que se paga por ello: mucho el primero, poco el segundo. Un titiritero que se quiera del partido del Arte, cobrará más sin duda que uno que no lo sea. Etc.

Cierto que a veces hay un “complejo artesanal” de los titiriteros, uno no atreverse a lanzar grandes escenarios y atraer a grandes públicos. Como si la artesanía justificara lo pequeño y, por tanto, lo minoritario.

Estos complejos existen, también se dice que en la pirámide teatral ocupamos el sector más bajo y marginal. Aunque como tú mismo dices, aquí hay valores positivos, pues es fantástico estar en las minúsculas, buscar la relación informal y directa con el público, bajarse de los pedestales, etc. En eso estoy completamente de acuerdo contigo. La humildad no quita lo valiente, al revés, debería acentuarla, y por la ley de la paradoja y de la contradicción, lo más pequeño debería aspirar a ser lo más grande.

Creo que el Teatro de Títeres tiene estas enormes potencialidades en su seno, un campo aún por explorar. Yo pondría todo el énfasis en sus calidades de Síntesis: cuanto más sintético y concentrado, más universal y explosivo. Es como el átomo: en un pequeñísimo espacio –un títere, un átomo, un retablo…-, una carga inmensa: el espacio-tiempo de la atención del público se curva en su alrededor y su gravedad (capacidad de captación de los espectadores) se dispara. He aquí el secreto del títere, ese actor minúsculo –o mayúsculo, pero sintético– que, como las marcas, se carga de contenido y de atributos. Algo que ocurre con los más primitivos teatros de títeres, y con los más vanguardistas. 

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